Cuánta razón llevan los que afirman que el documental de denuncia es un género capaz de mover a la acción al más escéptico de los espectadores. No falla. Es oír hablar de él y todo el mundo sale huyendo en la dirección contraria como alma que lleva el Diablo. A decir verdad, motivos no les faltan. Y es que a menudo una se pregunta si lo “de denuncia” no se referirá más bien al asumido carácter delictivo de estas películas que a su voluntad de sacar a la luz las injusticias de nuestro Sistema.

Afortunadamente, de vez en cuando aparecen directores que entienden que para poner determinadas cuestiones trascendentales sobre la mesa no hace falta aburrir y adoctrinar al personal hasta que le salgan gafas de pasta incluso en el tercer ojo, más popularmente conocido como culo. Es el caso del brasileño Jorge Furtado, que en 1989 revolucionaba el panorama audiovisual con su multipremiado cortometraje “La isla de las flores” (”Ilha das flores”), un ejercicio de narración, ritmo y sentido del humor que parodia los documentales del Saber Enciclopédico, y que así, a lo tonto, a lo tonto, va desgranando las miserias y paradojas de la naturaleza humana a través del recorrido de un tomate. No vamos a negar que sea tan demagógico como lo pueden ser la mayoría, pero lo es con salero y creatividad, y eso no quita que diga verdades como puños. Por no mencionar que su estilo ha creado escuela. ¿Cuántas películas recientes, incluyendo las de ficción, no reproducen ese tipo de acotaciones explicativas con animaciones y gráficos?

Probablemente muchos ya lo conozcáis, pero aquellos que no, no dejéis de descubrirlo:

Ver “La isla de las flores”

“Pulp Muppets”: Si hace unos cuantos meses ya les tocó pasar por el filtro peluchil a “Malas calles” de Scorsese y a “V de Vendetta”, ahora los Teleñecos vuelven para fundirse con el ya clásico de Tarantino. Divertido a la par que logrado falso tráiler de una hipotética película dirigida por Jim Henson. Y Peggy tan “suelta” como siempre. [ Vía Cinemaspop ]

“Los Simpson” en el Tracey Ullman Show: Ahora que se acerca el estreno de su salto a la gran pantalla, no está de más recordar los humildes orígenes catódicos de esta popular familia en el programa de Tracey Ullman, donde intervenían en forma de sketches breves antes de convertirse en una serie de televisión. Aquí en concreto su primerísima aparición. Quién los ha visto y quién los ve. Cualquiera diría que inicialmente estaban dibujados por los sobrinitos de sus creadores.

Darth Móvil: El villano más sensualmente ortopédico de toda la galaxia se apunta a una buena causa: advertir a los espectadores que deben apagar su teléfono móvil en el cine. Y lo hace de la única forma posible, esto es, recurriendo a la Fuerza bruta. El anuncio se emitió el pasado 23 de abril antes de la proyección de “Star Wars” en un especial de la Academia.

Batgirl exige sus bat-derechos: Unas cuantas décadas antes, concretamente en 1974, Yvonne Craig, la chica-murciélago televisiva, se prestaba a aparecer en este curioso anuncio del Departamento de Trabajo para reclamar que las mujeres recibieran el mismo salario que los hombres… por desempeñar el mismo puesto, claro está. Burt Ward la acompañaba como Robin, mientras que Adam West rechazó interpretar a Batman cansado de que le continuaran asociando con el personaje. ¿Quién dijo que los superhéroes actuaban de forma totalmente desinteresada? [ Vía Milk and Cookies ]

Tengo unos lectores que no me los merezco, y por una vez puedo decir esto en un sentido positivo. Como seguramente recordaréis (ahem), hace unas cuantas semanas os traje dos de los cortometrajes que había realizado Rodrigo Cortés antes y después, respectivamente, de su potente puesta de largo con “Concursante”, estrenada en España por aquellas fechas, y que presentó en diferentes ediciones del Notofilmfest: “Los 150 metros de Callao” y “Dirt devil”. Entonces os comenté que no recordaba si había llegado a ver una de las piezas breves más alabadas de este director y guionista gallego, “15 días”, que figura como el cortometraje más premiado de la Historia del Cine Español.

Pues bien, Ylia, una lectora de Caracas, se ofreció a ponerlo a disposición de todos nosotros, para que aquellos que os interesasteis por los trabajos de Cortés y no lo hayáis visto tampoco, pudierais disfrutarlo. Además de agradecerle el detalle, debo darle las gracias también de manera especial por todas las molestias que le ha supuesto.

“15 días” sigue una línea muy parecida a sus otras películas, tanto en lo que se refiere a la narración apoyada en el montaje, como por su sentido del humor y su trasfondo ideológico. En esta ocasión, Cortés elige el falso documental para trazar un retrato coral sobre un enigmático personaje que podríamos calificar de cuentista, vividor, escapista o mago de la estafa, en definitiva, un tipo que, bajo su apariencia normal, vive al margen del sistema, sacando provecho de él por plazos… de 15 días. Además de por sus cualidades cinematográficas, el corto resulta la mar de instructivo para aquellos que deseen imitar su ejemplo (Aquí Marnie sembrando el mundo de buenas ideas y valores cristianos como siempre).

Ver “15 días” en Guba | Ver “15 días” en Veoh

Ya he hablado en unas cuantas ocasiones del magistral trabajo desarrollado por Saul Bass, tanto por lo que se refiere a sus decisivas aportaciones en el campo de los títulos de crédito y el diseño de carteles, como en otros productos comerciales y artísticos más desconocidos. Precisamente, la última vez comentábamos que este revolucionario creador también realizó unas cuantas incursiones detrás de la cámara, dirigiendo varios cortometrajes e, incluso, una película de ciencia-ficción, titulada “Sucesos en la IV fase”. Una de estas piezas breves, “Why man creates”, que codirigió junto a su segunda esposa y habitual colaboradora, Elaine Bass, llegaría a ganar el Oscar en 1969. En este cortometraje animado de corte documental, Bass repasa desde el humor diferentes aspectos relacionados con el proceso creativo a lo largo de la Historia, algo que, viniendo de quien viene, lo convierte prácticamente en un must to view inmediato.

Hace un par de semanas, descubrí gracias a Pat que en YouTube se encuentra disponible un fragmento de cinco minutos de “Why man creates”, que se corresponde con una de las ocho partes que lo componen. En él, Bass ilustra de un modo tan gráfico como divertido la evolución del hombre desde la Prehistoria hasta la explosión (nunca mejor dicho) industrial. La calidad de la copia está lejos de ser óptima, pero merece la pena descubrir de qué era capaz también este genio dentro del terreno narrativo, y más concretamente de la animación.

Ver fragmento de “Why man creates” en YouTube

Entrando en DailyMotion en busca de otra cosa bien distinta, me he encontrado con este curioso cortometraje de animación 3D que recrea el mito de Dédalo e Ícaro con dos robots voladores como protagonistas. Si lo rescato es más por su llamativo estilo visual, que combina el diseño retro-futurista con viñetas enmarcadas en pergaminos antiguos, que por la historia que cuenta, más bien anecdótica, ya que si uno desconoce la leyenda griega, la cosa tiene tirando a poca gracia más allá de su atractiva estética.

Ver “Icarus” en DailyMotion

MySpace no sólo se ha convertido en cuestión de poco tiempo en una poderosa plataforma para lanzar a nuevos talentos (o no) dentro de la música que no tienen la posibilidad de darse a conocer por otros medios, haciendo que incluso las figuras ya consagradas consideraran imprescindible su presencia en él y lo adoptaran como espacio alternativo de difusión. También los fans de muchos actores y directores están creando allí páginas personales dedicadas a sus ídolos de la gran pantalla, donde comparten fotografías en alta resolución que, en algunas ocasiones, es complicado encontrar en la mayoría de sitios, recopilan vídeos con tráilers, cortometrajes, fragmentos de películas o reportajes, o cuelgan canciones o bandas sonoras relacionadas con el artista en cuestión. Los más elaborados disponen de material francamente suculento.

La lista de celebridades vivas o ya fiambres con su propio hueco virtual en MySpace es tan impresionantemente larga que, para empezar, llevaría una ingente cantidad de tiempo localizarlas a todas, así que ya no os cuento recopilar los enlaces uno a uno. Así que simplemente os recomiendo que utilicéis su buscador para encontrar el myspace de vuestros favoritos. Yo de momento os pongo algunos pertenecientes a directores de diferentes épocas que ya he tenido ocasión de ver saltando de enlace en enlace, para que os hagáis una idea:

Alfred Hitchcock | Billy Wilder | Charles Chaplin | Ernst Lubitsch | George Cukor | Howard Hawks | John Ford | Orson Welles | Preston Sturges | Federico Fellini | Luchino Visconti | Roberto Rossellini | Sergio Leone | Vittorio De Sica | Michelangelo Antonioni | Jean-Luc Godard | Jacques Tati | Jean Renoir | Werner Herzog | Akira Kurosawa | Yasujiro Ozu | Luis Buñuel | Francis Ford Coppola | Martin Scorsese | Sam Peckinpah | Stanley Kubrick | Wong Kar Wai | Jim Jarmusch

Por supuesto, si alguno de vosotros conoce o encuentra alguno más que sea de interés, no dudéis en dejar el link en los comentarios para irlos añadiendo a la lista.

La oveja Shaun fue uno de los personajes secundarios surgidos de los cortometrajes de Wallace y Gromit que se hicieron más populares entre el público. Concretamente, aparecía en “Wallace & Gromit: Un esquilado apurado”, la tercera entrega de esta saga realizada mediante animación stop-motion con figuras de plastilina, con la que Nick Park, codirector de las posteriores “Chicken run: Evasión en la granja” y “Wallace y Gromit: La maldición de las verduras”, ganó el Oscar en 1996. Debido al éxito de esta pizpireta oveja de piel negra que, paradójicamente, vestía un jersey de lana, sus creadores, la inigualable Aardman Animations, decidieron convertirla en protagonista de sus propias aventuras. Así nació el spin-off “Shaun The Sheep”, una serie de televisión, dirigida por Christopher Sadler y producida por Park y su colega Peter Lord, que está ambientada en una granja y donde su mullida estrella comparte escenario con nuevos personajes animales (curiosamente, también sale un perro que es como la versión feísta de Gromit).

Gracias a YouTube podemos disfrutar de un montón de episodios de esta divertida serie familiar que actualmente emite la BBC, como este titulado “Off the baa!” que rescatan en Milk And Cookies. Además, el hecho de que se base en un humor físico y no contenga diálogos, facilita bastante el asunto para aquellos que no dominéis el inglés. En dicho capítulo de cinco minutos de duración, Shaun decide disputar un partido de fútbol con el resto de sus compañeras ovejas cuando una col va a parar a sus manos por accidente, mientras unos cerdos intentan sabotear el encuentro. Genial como todo lo que lleva el inconfundible sello de calidad de esta factoría británica.

Este mismo viernes se estrenó en España la puesta de largo del hasta ahora laureado cortometrajista gallego Rodrigo Cortés, “Concursante”, una película que sin lugar a dudas va a despertar críticas encontradas por lo arriesgado de su propuesta, pero que difícilmente dejará indiferente a nadie, que ya es mucho más (y hasta mejor) de lo que se puede decir de otras cintas españolas o no. Yo pude descubrirla justo al día siguiente, y me atrevo a decir que es de lo más interesante y sugerente que ha salido de la cantera nacional en estos últimos años. Ojo, interesante y sugerente no significa ni perfecto ni 100 % conseguido, desde luego, ni mucho menos, como apuntaba, abierto a todo tipo de público. Pero considerando su valor a la hora de hacer algo tan diferente en formas, contenido y actitud a la habitual caspa patria, y el destacado resultado que logra, si hay alguna cita que nadie debería de saltarse esta temporada es con esta película, le vaya a gustar más o menos (o incluso nada) después.

Como muchos ya sabréis, Rodrigo Cortés se había dado a conocer con trabajos como “15 días”, que puede presumir de figurar como el corto más premiado del cine español, con más de 50 galardones en su haber. Pues no os lo vais a creer, pero no sé si lo he visto. Quiero decir que probablemente lo viera en algún momento hace mucho por la tele, pero que ahora mismo no consigo recordarlo ni por el título ni por su sinopsis. El caso es que, por desgracia, tampoco he logrado encontrar ninguna copia, ni de “15 días” ni de “Yul”, otra de sus piezas más alabadas, por estos Tubos del señor. Sin embargo, sí que es posible disfrutar de dos de los cortos que Cortés presentó en el Notofilmfest en diferentes años y que os comento a continuación (como siempre, clic en el enlace del título para ver los vídeos).

“Los 150 metros de Callao” está realizado dos años después de “15 días”, es decir, en el 2002, y demuestra cómo es posible sacar partido de una situación bien sencilla y cotidiana con pocos recursos, dándole un enfoque ingenioso al asunto. En este caso, convirtiendo el recorrido de un par de transeúntes por las calles de Madrid en la retransmisión deportiva de una carrera.

Mucho más elaborado es “Dirt devil”, su trabajo más reciente (de este mismo año, vaya), y que comparte algunos planteamientos, tanto estilísticos como temáticos, con “Concursante”: un ritmo vertiginoso a través del montaje, una factura visual muy pulida, una de esas narraciones apoyadas en la voz en off donde forma y contenido se llegan a confundir, y un cierto interés por revelar los absurdos del sistema, ejemplificados en esta ocasión a través de los filtros de una aspiradora. De nuevo, una anécdota que en principio no parece esconder nada de especial, pero de la que obtiene un sorprendente rendimiento.

Oh, my God! Rectifico: OH, MY GOD! ¡Esto es más friki que construir una réplica de la Torre Eiffel usando las horquillas originales con las que se sujetaba los moños la Princesa Leia! Imagínenselo: Para empezar, tenemos a un jovencísimo Bruce “Ash” Campbell, el icónico actor protagonista de la saga “Evil Dead”, protagonizando una parodia del personaje de Indiana Jones. Sumémosle a un no menos desconocido por aquel entonces Sam Raimi, director de dicha trilogía cómico-terrorífica y convertido ahora en estrella gracias a su saga de “Spider-Man”, metido en la piel del villano nazi de la función. Y, completando el Trío Calavera, Cheryl Cuttridge, cuyo único papel “destacado” hasta la fecha ha sido una pequeña intervención en “Posesión infernal”, como la comparsa romántica del héroe.

El cortometraje en cuestión se titula “Cleveland Smith: Bounty Hunter” y, por si fuera poco, lo dirigió Josh Becker, realizador de la televisiva “Hércules y el Laberinto del Minotauro” y de algunos episodios de “Xena, la princesa guerrera”, la serie producida por Raimi. Pero no se vayan a creer que la cosa se acaba aquí. Y es que, además, en funciones de coguionista y productor figura el nombre de Scott Spiegel, principalmente conocido por ser el responsable de “Abierto hasta al amanecer 2″, así como uno de los autores del libreto para “El principiante” de Clint Eastwood. ¿Dije “friki”, no?

Rodado en blanco y negro, con una de esas facturas que podríamos calificar como de supervivencia y haciendo gala de unos efectos especiales más caseros que las comidas del Bar Tío Pepe, el resultado de esta broma privada entre amigos hace suya aquella máxima de “Todos tenemos un pasado oculto, pero el tuyo debería ser más pasado y más oculto que ninguno”.

Ver “Cleveland Smith: Bounty Hunter”

El director, guionista y diseñador artístico Jiří Trnka, fallecido en Praga en 1969, ha pasado a la Historia del Cine por ser uno de los más prestigiosos animadores de la eminente Escuela Checa. Y ello a pesar de tener uno de esos nombres tan impronunciables que dificultan el recuerdo e, incluso, inspiran chascarrillos de corte chusco-tabernario (No les voy a dar ideas, pero tengo un par de bochornosamente fáciles en mente). Aunque también se dedicó a la ilustración infantil y llegó a trabajar dentro del cartoon tradicional, o sea, los dibujos animados de toda la vida, Trnka fue, sobre todo, un maestro virtuoso de la animación con marionetas, terreno en el que cosechó todo tipo de reconocimientos internacionales y con el que sentó tradición en su país. Proclamado por muchos como el Walt Disney del Este, conviene aclarar que esta etiqueta se refiere más a su relevancia como creador y referente que a su personal estilo. Precisamente, si algo tenía la obra de Trnka era que escapaba de los cánones reinantes en la animación estadounidense y que, a diferencia de ésta, estaba dirigida principalmente al público más adulto debido al compromiso de su discurso, algo muy típico, por otro lado, en esas latitudes y más todavía en aquella época. Traducido: Nada de cosas dulzonas, facilonas, simplistas y frívolas. Pese a contar con una larga trayectoria desde que se inició detrás de las cámaras a mediados de los 40, resulta bastante paradójico que uno de sus títulos más populares y difundidos haya sido la última película que rodó, “Ruka” (”La mano”), dirigida en 1965 y considerada una obra maestra en su campo, supongo que a causa de la fuerte carga de crítica socio-política que escondía.

Algo menos conocido, y no por falta de méritos, es el cortometraje que os traigo hoy, una pequeña joya la mar de curiosa e intrigante que lleva por título “Kybernetická babicka” (”La abuela cibernética”) y que Jiří Trnka realizó en 1962. ¿Por qué resulta tan llamativa? Pues, para empezar, porque se trata de un relato de ciencia-ficción tecno-futurista que, lejos de lo que se pudiera presuponer, tiene como protagonistas a una entrañable abuelita, tipo Doña Rogelia, y a su pequeño y cándido nieto. Pero es que, además, el exuberante imaginario que despliega para ilustrar todo ese sofisticado mundo ultra-tecnificado, fuertemente influenciado por el diseño de los 60, es realmente sorprendente y detallista. Eso sin mencionar la perfección de la técnica o la hipnótica, y en ocasiones perturbadora, atmósfera que logra crear, si bien tampoco faltan ciertas pinceladas de humor en determinados momentos.

La historia, a modo de resumen, comienza cuando la mencionada anciana y el niño, dando un paseo por el campo, aparecen así como de sopetón en una especie de modernísimo aeropuerto en plan lanzadera espacial. Una vez allí, se despiden y el crío sube a una nave individual con forma de huevo transparente. El pintoresco artefacto lo conduce entonces hacia un misterioso lugar donde lo espera una inquietante silla electrónica con unas alas hechas de tapete… Tras este a menudo alucinógeno argumento se pone de manifiesto, en definitiva, una fábula de carácter humanista que apuesta por las relaciones personales y por la Naturaleza frente a la mecánica frialdad, el vacío emocional y, en resumidas cuentas, toda la deshumanización que imponen las tecnologías, y todas esas cosas tan potitas.

Aviso que, aunque esté en versión original, el cortometraje se sigue sin problemas debido a la práctica ausencia de diálogos, que se concentran en su mayoría hacia el final del metraje. Y cuando éstos hacen aparición, quedan perfectamente suplidos por la expresividad de las imágenes. Disfrútenlo.

Ver “Kybernetická babicka” (”La abuela cibernética”) de Jiří Trnkade

Ver “Precious images”

“Precious images” es un cortometraje dirigido por Chuck Workman que recibió un Oscar en dicha categoría en 1987. Basándose únicamente en imágenes de archivo procedentes de populares películas de todos los tiempos, este estupendo trabajo de montaje encadena centenares de momentos míticos de la Historia del Cine, principalmente del americano, agrupándolos por géneros y temáticas al ritmo de algunas conocidas bandas sonoras. Un ejercicio de nostalgia imprescindible. [ Vía Extracine ]

Los que afirman tan alegremente que las empanadas mentales de David Lynch se deben al mero capricho y a la improvisación, andan muy equivocados. Si algo tiene su surrealista y angustioso universo es que es fruto de un largo y costoso proceso de maceración consigo mismo. Con esto quiero decir que ya de joven se metía todo lo que tenía a su alcance, hábito caro y difícil de abandonar donde los haya. Lo que quizás no sepa tanta gente es que durante su época de estudiante, el director de la recién estrenada y controvertida “Inland Empire” comenzó experimentando en el campo de la animación, y no precisamente bajo la influencia de la Disney, sino de otro tipo de sustancias, como demuestran estos dos cortos iniciáticos: “Six figures getting sick”, que vendría a significar “Me pongo enfermo viendo esto”, rodado en 1966, y “The alphabet”, de 1968. De hecho, el primer contacto de Lynch con la acción real fue en “The grandmother”, de 1970, donde mezclaba ambas técnicas. Algunos aseguran que estos tres trabajos tienen línea argumental y todo, y hasta se atreven a ofrecer varias versiones alternativas de la historia como si esto fuera “Carretera perdida” o “Mulholland Drive”, no miento, porque ya se sabe que nadie es digno de ser considerado un autor con un estimulante imaginario si no cuenta algo y algo que no se entienda a la primera salvo por unos cuantos elegidos. Yo me limitaré a dejárselos para que juzguen ustedes mismos.

Ver “The alphabet” en Video Google

Ver “Six figures getting sick” en DailyMotion

Ver “The grandmother” en DailyMotion

Unos años después, Lynch debutaría en el largometraje con “Cabeza borradora (Eraserhead)”, que al lado de lo anterior era gloria bendita, oiga. Aunque supongo que a sus fans más incondicionales no les gustaría esta concesión a la comercialidad, porque se entendía demasiado y nadie se las podía dar de listo. El rodaje de esta película se paralizó durante varios años por falta de medios, y ahora ya no me refiero a las drogas. Durante ese largo paréntesis, Lynch rodaría otro cortometraje, “The amputee”, esta vez con actores de carne y hueso en su integridad. Historia, lo que se dice historia, tampoco es que tenga, y pasar no pasa mucho, pero a mí no me echen la culpa si son incapaces de entrar en trance con su genio.

Ver “The amputee” en Video Google

Anterior artículo relacionado: David Lynch: Todos sus anuncios y carteles

Ni muñecos de peluche, ni pizpiretos cachorros, ni Gromit. No, ni siquiera Sylvester Stallone poniendo su mejor cara de perrito abandonado. En este mundo no hay absolutamente nada tan achuchable como un robot. Y de muestra un botón, o tornillo en este caso.

“Little big love” es un cortometraje que Tomas Mankovsky realizó como proyecto de graduación en la Beckmans College of Design y con el que ha cosechado unos cuantos premios, pese a tratarse de su primera película. Y no es de extrañar, viendo el buen nivel de este experimento. Mezclando acción real con animación, su argumento nos sumerge en la tragicómica historia de amor no correspondido entre un pequeño robot y una oronda tetera eléctrica que, pese a lo que pudiera indicar su profesión, no parece estar precisamente hirviendo de placer. Lo único que me rechina, sobre todo en algunos momentos, es la música electrónica que acompaña a las imágenes, y que se hace algo monótona, rompiendo bastante el clima. El corto cuenta con una web oficial donde es posible ver algunas imágenes de su making of.

Actualización 1/02/07: He tenido que borrar y volver a publicar esta entrada porque, como ya me pasó en otra ocasión, provocaba un error en la plantilla que sólo quedaba descolocada si se veía con la M. de Internet Explorer. He recuperado vuestros comentarios en el post original copipasteándolos debajo.

A estas alturas de la película sería esperable, incluso deseable, que no quedara nadie que no se hubiera enterado todavía de que este año hay dos cortometrajes españoles nominados al Oscar. Una situación que se repite tan sólo dos años después de que otro cortometraje patrio, “7:35 de la mañana” de Nacho Vigalondo, también optara a la estatuilla en dicha categoría. Sin lugar a dudas, esta serie de reconocimientos hablan del buen estado de salud del corto en España (del largo… esto… ¿mejor hablamos otro día?), aunque no deja de resultar paradójico si consideramos el profundo desconocimiento (era por no llamarlo directamente ijjjnorancia) e incluso ninguneo que existe sobre este formato entre el público de este país (claro que la pregunta es si existe algo sobre lo que no haya un profundo desconocimiento).

Uno de ellos, y claramente mi favorito por méritos propios, “Éramos pocos” de Borja Cobeaga, ya lo traje por aquí hace tanto tiempo que, por aquel entonces, La Ventana Indiscreta ni siquiera había evolucionado aún (¿o será “involucionado”?) a su actual estado como blog. Al margen de que esté más o menos bien dirigido o interpretado (por cierto, yo de mayor quiero ser Mariví Bilbao), lo que más me encantó es la forma en que sabe encontrar el humor a partir de la denuncia de una situación patética (tragicomedia, supongo que dirían algunos) que, aunque extrema, no resulta tan impensable. Además, es como muy cotidiano.

Por cierto, se da la casual (o no tan casual) circunstancia de que “Éramos pocos” es una producción de Arsénico P.C., la misma productora de “7:35 de la mañana” y de la que también forma parte Koldo Serra, Ese Hombre. Pero, además, como explicaba ayer el propio Vigalondo en su recién estrenado nuevo blog, Borja Cobeaga tenía un papel en “7:35 de la mañana”, mientras que la voz que se oye a través del televisor en “Éramos pocos” corresponde a Vigalondo durante una entrevista que le realizaron tras su nominación al Oscar del 2005. En fin, si os habéis perdido con toda esta red de coincidencias cruzadas, la conclusión venía a ser más o menos que todo queda en casa.

En cuanto al otro trabajo, “Binta y la gran idea” de Javier Fesser, formaba parte del lagometraje colectivo “En el mundo a cada rato”, que se estrenó en nuestras salas hace un par de años. Rodado en Senegal con el patrocinio de UNICEF, a mí me pareció un corto simpático, cargado de buenas intenciones (denuncia, entre otros temas, la no-escolarización de las niñas africanas, pero desde el buenrollismo), y con algunos apuntes visuales y argumentales interesantes, pero, para mi gusto, le pesa demasiado esa vocación tan ONG y se queda algo flojillo.

En cualquier caso (toda la parrafada anterior venía a cuento de esto tan simple), es posible que todavía quede gente que no los haya podido disfrutar, así que, con unos días de retraso tras conocerse las nominaciones al Oscar, aprovecho para recuperarlos:

Ver “Éramos pocos” en YouTube o en Video Google

— Como probablemente ya sepáis, este pasado jueves daba comienzo una nueva cita con el Festival de Sundance, certamen que se ha convertido por méritos propios en todo un referente ineludible para los seguidores del cine independiente: película que premian, película de la que sabemos que conviene huir cuando se estrena en nuestras salas. Y al igual que el año pasado, la organización ha tenido la bondad de poner a disposición de los internautas todos los cortometrajes que participan a concurso este año (en esta otra página encontraréis los cortos documentales). Todos se pueden ver de forma gratuita en su web oficial y la mayoría también se pueden descargar vía ITunes. Investiguen por ahí, porque hay cosas con bastante buena pinta.

— Supongo que a estas alturas es innecesario presentar las creaciones de Angry Alien Productions. Esta gente lleva años, y varios premios acumulados, realizando versiones animadas de populares películas, que resumen en 30 segundos siempre con conejos como protagonistas. Algunos de sus trabajos son mejores y otros peores, pero lo que está claro es que siguen muy de cerca la actualidad cinematográfica para lanzar su correspondiente réplica al cabo de poco tiempo. Su última parodia la dedicada a “Borat”.

— También estos días se está desarrollando una nueva edición del Notodofilmfest, el festival de cortos en Internet. Aunque el plazo para recibir trabajos terminó el pasado día 10, cada día van apareciendo nuevos cortometrajes a concurso que podéis ver o descargaros en el sitio, propuestas paralelas, piezas de autores invitados, etc.