Carteles a lo “Grindhouse”: Nueva iniciativa de la gente de Something Awful para rendir homenaje al universo gráfico relacionado con un gran estreno, en un línea similar a lo que ya hicieron tiempo atrás con “Sin City”. En esta ocasión se trataba de que los participantes crearan pósters tipo “Grindhouse”, o lo que es lo mismo, reproduciendo el estilo guarrón, macarra y sensacionalista del cine exploitation, a partir de conocidas películas de todos los tiempos. Merece la pena inspeccionar por las once páginas que conforman la galería. Hay carteles muy divertidos y conseguidos. [ Enviado por 1977 ]

Fotos inéditas del rodaje de “Star Wars” que ha publicado la revista Wired coincidiendo con el 30º aniversario de su estreno. Dado que el otro día hablábamos sobre Darth Vader a propósito de aquel contundente aviso dirigido a apagar el móvil en las salas de cine, servidora no ha podido resistirse a rescatar esta pintoresca estampa. Y es que una no descubre todos los días que su mito erótico desde la más tierna infancia (sí, han leído bien… y lo que no saben todavía) también acusaba serios problemas de caspa, amenazando con cubrir de blanco sus impolutos hombros negros como si de la cumbre nevada del Kilimanjaro se tratara. Veinte imágenes más, tomadas en el set o que formaban parte de la promoción, haciendo clic en el anterior enlace.

Sin City Breakfast Tacos y Puerco Pibil: Hablando del Rey de Texas… Según parece, el batacazo económico que ha sufrido su proyecto conjunto con Quentin Tarantino, ha provocado que Robert Rodríguez llegara incluso a replantearse su futuro profesional, y decidiera reconducir su experiencia en el despiece de órganos y su buena mano con los aderezos picantes hacia nuevos derroteros artísticos. Así pues, no es de extrañar que “El mariachi” se haya pasado a dar lecciones de cocina, intentando abrirse su propio hueco entre tanto chef mediático como nos inunda. En los dos anteriores vídeos podréis seguir sus explosivas recetas no aptas para marías. [ Vía Bad Blog Boogie ]

Christopher Lee canta “Toreador”: Poseedor de una de las voces más imponentes y atractivas del panorama (aprendan pipiolos desnutridos y balbuceantes que pueblan el actual star system), este legendario actor recuperado recientemente por el cine, y al que mencionaba ayer mismo, no se ha amilanado ante la posibilidad de grabar una versión metal de la popular marcha perteneciente a la ópera “Carmen” junto al grupo The Inner Terrestrials. ¡Tú sí que estás hecho un torero, Lee! Y con jersey rojo, como Gila, haciendo las veces de capote. [ Enviado por Crunch ]

MySpace no sólo se ha convertido en cuestión de poco tiempo en una poderosa plataforma para lanzar a nuevos talentos (o no) dentro de la música que no tienen la posibilidad de darse a conocer por otros medios, haciendo que incluso las figuras ya consagradas consideraran imprescindible su presencia en él y lo adoptaran como espacio alternativo de difusión. También los fans de muchos actores y directores están creando allí páginas personales dedicadas a sus ídolos de la gran pantalla, donde comparten fotografías en alta resolución que, en algunas ocasiones, es complicado encontrar en la mayoría de sitios, recopilan vídeos con tráilers, cortometrajes, fragmentos de películas o reportajes, o cuelgan canciones o bandas sonoras relacionadas con el artista en cuestión. Los más elaborados disponen de material francamente suculento.

La lista de celebridades vivas o ya fiambres con su propio hueco virtual en MySpace es tan impresionantemente larga que, para empezar, llevaría una ingente cantidad de tiempo localizarlas a todas, así que ya no os cuento recopilar los enlaces uno a uno. Así que simplemente os recomiendo que utilicéis su buscador para encontrar el myspace de vuestros favoritos. Yo de momento os pongo algunos pertenecientes a directores de diferentes épocas que ya he tenido ocasión de ver saltando de enlace en enlace, para que os hagáis una idea:

Alfred Hitchcock | Billy Wilder | Charles Chaplin | Ernst Lubitsch | George Cukor | Howard Hawks | John Ford | Orson Welles | Preston Sturges | Federico Fellini | Luchino Visconti | Roberto Rossellini | Sergio Leone | Vittorio De Sica | Michelangelo Antonioni | Jean-Luc Godard | Jacques Tati | Jean Renoir | Werner Herzog | Akira Kurosawa | Yasujiro Ozu | Luis Buñuel | Francis Ford Coppola | Martin Scorsese | Sam Peckinpah | Stanley Kubrick | Wong Kar Wai | Jim Jarmusch

Por supuesto, si alguno de vosotros conoce o encuentra alguno más que sea de interés, no dudéis en dejar el link en los comentarios para irlos añadiendo a la lista.

Si ya de entrada suele ser bastante difícil encontrar alguna web sobre cualquier cineasta importante que esté escrita en español, exigirle que además ofrezca material que vaya más allá de los cuatro tópicos socorridos de turno y que, de paso, tenga un mínimo de cara y ojos en el aspecto visual, puede convertir nuestra búsqueda en una tarea infructuosa. Afortunadamente, la Web En Castellano De François Truffaut representa una grata excepción en todos estos sentidos. Y es que este sitio dedicado al fallecido autor de clásicos como “Los 400 golpes”, “Jules y Jim” o “La noche americana” no sólo presenta un diseño agradable y claro, sino que sus contenidos, aunque no muy diversificados, están realmente cuidados. Aparte de incluir información detallada sobre cada una de sus películas divididas por etapas, la página también se encarga de recuperar un buen puñado de textos aparecidos en diversos medios, en los que el genio francés habla acerca de diferentes aspectos relacionados con su vida y su obra. Igual de interesante, si no más, es la sección que recoge fragmentos escritos de la famosa entrevista que Truffaut le realizó a Hitchcock, publicada en el ya imprescindible libro “El cine según Hitchcock”, y que aquí se pueden consultar cómodamente según los títulos de su filmografía a los que hacen referencia durante la conversación.

En definitiva, un más que oportuno homenaje al único de los plastas de la Nouvelle Vague que supo entender que para contar cosas no había ninguna necesidad de aburrir a las ovejas.

Cinematic cuenta con una colección impresionantemente extensa (nada menos que 2366 imágenes hasta ahora) de pósters y lobby cards originales de diferentes países y épocas. Esta galería alemana no sólo dispone de apartados específicos dedicados al cine de Alfred Hitchcock, a las aventuras de personajes como James Bond o Miss Marple, a la actriz Audrey Hepburn, o a géneros concretos como los musicales, la ciencia-ficción y el terror o la Disney y otros cartoons animados, sino que, a más a más, se puede encontrar material perteneciente a cualquier tipo de películas, así como versiones de carteles procedentes de todo el mundo (hasta finlandeses y polacos). Muy muy grande en todos los sentidos.

Como siempre, clic en cada imagen para ampliar y vayan pasando paginitas para acceder a todos los contenidos.

Lástima que no los ofrezcan a un tamaño algo más generoso, pero entonces quizás ya sería pedir demasiado… o no.

Philippe Halsman fue un prestigioso fotógrafo de moda de origen judío-letón que durante los años 40 y 50 causó auténtico furor con sus divertidos y originales retratos a celebridades procedentes de campos tan dispares y variopintos en su rica diversidad como la política, el espectáculo, el arte, la ciencia o, incluso, el pensamiento, que por lo que se ve no tiene ninguna relación con los anteriores. El truco del almendruco de este buen hombre, en otras palabras, el secreto de su éxito, residía en algo tan simple como poco explotado hasta entonces: capturar a los protagonistas de sus fotos dando saltos o, más bien dicho, en pleno salto. Sí, así tal cual como se lee. Halsman ponía a la gente a pegar brincos delante de su cámara como a cabritillos desbocados, obteniendo de este modo un sorprendente resultado que, en muchas ocasiones, se alejaba bastante de la imagen, mucho más encorsetada, que el público se había acostumbrado a ver de ellos. Éstos, por su parte, debían de estar la mar de encantados de montar el numerito con esta nueva acepción del término gimnasia artística. Es de suponer que, en una época en la que la liposucción todavía no andaba a la orden del día, a nadie le vendría mal fundir algún que otro quilito de más con cada una de estas sesiones de fotos maratonianas. Y todos tan contentos.

No os vayáis a creer, sin embargo, que aquella gracia se quedó en una simple moda pasajera. Por el contrario, este desenfadado y dinámico estilo de retrato fotográfico lograría crear escuela, dando origen, incluso, a un fenómeno conocido como jumpology que, aún a día de hoy, continúa cosechando nuevos adeptos, los cuales han sustituido el tradicional y lujurioso aviso de “mira al pajarito” por el más psicópata grito de “salta, pájaro, salta, que disparo” (no confundir, por cierto, con el mucho menos afortunado tiro al pichón). Además, se rumorea que las populares canciones de Tequila y los Rolling Stones, “Salta” y “Jumpin’ (Jack) Flash” respectivamente, son un tributo encubierto a la obra de Halsman.

Aunque de entrada a algunos no os suene demasiado su nombre, estoy segura de que la mayoría conoceréis de sobra a Philippe Halsman a través de sus trabajos más famosos tanto dentro como fuera del jumping style. No en vano puso portada a la revista Life en más de cien ocasiones y sus imágenes han dado la vuelta al mundo varias veces a lo largo de unas cuantas generaciones. Halsman fue, por ejemplo, el encargado de inmortalizar a un Albert Einstein de aspecto triste y cansado en esta legendaria fotografía, detrás de cuya realización se esconde una no menos interesante historia. También se hicieron muy populares sus composiciones surrealistas con Salvador Dalí como estrella, caso del “Dalí atomicus”, en el que le dio por remojar a unos pobres gatos, o de este otro titulado “Salvador Dalí, in voluptate mors” y que años más tarde daría pie a sendos “homenajes” en los carteles de “El silencio de los corderos” y de “The descent”.

Dentro del terreno que nos ocupa (el cine, por si hacía falta aclararlo), [ continuar leyendo… ]

Divertida a la par que curradísima colección de vídeos la que recopilaba hace unos días la gente de Cartoon Brew. Veréis, la idea es tan sencilla como efectiva: Alguien ha seleccionado algunos populares momentos de la Historia del Cine y después se ha dedicado a añadir la presencia de un fatídico globito entre sus protagonistas. Una broma inocente tan sólo en apariencia, ya que, al integrarlo como parte de la acción, logra dar un nuevo e insospechado sentido a estas conocidas escenas.

Así pues, tenemos a Harold Lloyd sorteando algo más que una posible caída en la ya icónica escena de “El hombre mosca”, donde aparece suspendido de las agujas de un reloj en lo alto de un edificio; o a Luke Skywalker, que salva su vida gracias a la esfera en cuestión mientras intenta desbaratar las gigantescas máquinas del Imperio en “El Imperio contraataca”. Por contra, la pareja formada por Paul Newman y Robert Redford está dispuesta incluso a arriesgar la suya con tal de conseguirlo durante el famoso salto al río de “Dos hombres y un destino”; también es el caso de la mítica persecución aire-tierra de “Con la muerte en los talones”, gracias a la cual descubrimos por fin qué era aquello tan preciado que Cary Grant tenía en su posesión y que el piloto de la avioneta pretendía con tanto ahínco; o de “Nikita, dura de matar”, en la que el juguetón y omnipresente globo hace honor a su condición y se encarga de hincharles las pelotas a los participantes del tiroteo en la cocina. Y si hablamos de globos en un sentido más figurado, por supuesto no podía faltar “Casablanca” por partida doble, donde tanto Humphrey Bogart como el resto de asiduos del bar de Rick no pueden negar que llevan un buen ídem encima después de empinar el codo a lo largo de toda la película.

Al parecer, estos montajes formaban parte de un proyecto mayor que debía exhibirse en un parque temático a modo de homenaje al cine clásico. Finalmente, la propuesta fue desestimada, pero su autor ha decidido colgar algunos de estos vídeos de prueba en YouTube. Podéis verlos todos juntos aquí: Famous Balloon Movies.

Actualización 2/04/07: A posteriori, han añadido uno con la archi-conocidísima escena de “Cantando bajo la lluvia” que es súper divertido y que he descubierto vía BlogDeCine.

“I heart Huckabees”, rebautizada en España con el aproximativo título de (ahem) “Extrañas coincidencias”, era una comedia (esto también es un decir) independiente que se estrenó en nuestras salas hace algo menos de dos años. Curiosamente, ahora han salido a la luz tres vídeos… ¡qué digo tres vídeos!… tres documentos históricos grabados durante su rodaje, en los que David O. Russell, su responsable detrás de las cámaras, parece confirmar su mala fama como director con tendencia a las explosiones de violencia después de que, según se rumorea, en la filmación de “Tres reyes” llegara incluso a las manos con George Clooney. En esta ocasión se las tuvo que ver con la actriz Lily Tomlin y todo apunta a que se encontró con la horma de su zapato. Y es que si para trabajar con Russell uno haría bien en darse de alta en algún seguro que cubra posibles daños físicos, Tomlin tampoco se queda atrás y no se calla ni debajo del agua, porque hay que ver lo cizañera que es la buena mujer.

En el primero de ellos, después de que Lily Tomlin le reproche una serie de cosas sobre su trabajo, Russell se dirige completamente fuera de sí hacia la mesa en la que está sentada la actriz y no es que pierda los papeles, no, es que él mismo se encarga de arrojarlos por el suelo, patadas a todo lo que no se menea y gritos de “fucking” y “bitch” incluidos, que ni en el guión de una peli de Tarantino, madredelamorhermoso. Lo mejor de todo, la actitud que adoptan Jason Schwartzman y Dustin Hoffman ante la situación, así como la huída que emprende una pobre chica del equipo sobre la que caen algunos de los objetos que éste ha lanzado por los aires. Eso sí, al cabo de un rato Russell regresa para arreglar las cosas, porque todavía se había dejado una lámpara en pie. La estampida entonces ya es general.

Según parece, las peleas entre la veterana actriz, a la que pronto veremos en “El último show” del fallecido Robert Altman, y el director se extendieron a una buena parte de las escenas. En el segundo vídeo, Lily Tomlin, Dustin Hoffman e Isabelle Huppert están sentados en la parte delantera de un coche y la primera le grita repetidas veces “Fuck you motherfucker” a la cámara, donde supuestamente se encuentra Russell, mientras le dedica un gráfico gesto con la mano. ¡Esto exige pero que un videomontaje ya! La cosa no se acaba aquí, puesto que en el tercero Tomlin continúa rajando como una desahogada mientras Dustin Hoffman no se sabe muy bien si intenta calmarla o se limita a darle la razón como a los locos. Todo sea para que Russell no arremeta de nuevo contra ella y acaben recibiendo todos, porque aquí lo tienen bastante más difícil para escapar de la onda expansiva. Mark Wahlberg, por su parte, apenas asoma la cabeza desde el asiento de atrás (cualquiera se atreve), pero su expresión es de completo alucinado. [ Vía mail por Sidious ]

Sus primeras y poco alentadoras experiencias

Existe una regla no escrita que corrobora que los comienzos profesionales nunca fueron fáciles para nadie, y, desde luego, los pocos gloriosos pinitos del genio inglés no parecen constituir una excepción. El desvirgamiento de Alfred Hitchcock detrás de las cámaras se produjo a sus 22 años con “Mrs. Peabody”, o lo que es lo mismo, con “Number 13”, una producción inglesa de 1922 que, sin embargo, se acabó convirtiendo en un auténtico coitus interruptus para el realizador. La película nunca se llegaría a completar debido a que el estudio decidió cancelar el proyecto a pesar de que ya se habían filmado dos rollos enteros. Aquella primera experiencia debió de resultar tan poco memorable para ambas partes que nadie se molestó en conservar siquiera una mísera copia del film a modo de souvenir.

Un año después le llegaría una nueva oportunidad, pero sólo en calidad de segundo plato, es decir, como suplente no acreditado. Fue cuando le ofrecieron que se encargara de finalizar el rodaje de “Always tell your wife” al caer enfermo su director, Hugh Croise.

Así pues, a efectos prácticos se considera que su debut oficial como director no tuvo lugar hasta 1925 con “El jardín de la alegría”, un drama criminal ambientado en el mundo del music hall, según una novela de Oliver Sandys, que estaba coproducido por Inglaterra y Alemania. Con todo y con ello, Hitchcock tendría que esperar nada menos que dos años para ver estrenado aquel largometraje en Londres, una vez confirmado el éxito de su tercer trabajo, “El enemigo de las rubias”. Con todos estos precedentes, ¿acaso cabe suponer que su segunda película correría mucha mejor suerte? Salgan de dudas en el siguiente párrafo. [ continuar leyendo… ]

Oh, my God! Rectifico: OH, MY GOD! ¡Esto es más friki que construir una réplica de la Torre Eiffel usando las horquillas originales con las que se sujetaba los moños la Princesa Leia! Imagínenselo: Para empezar, tenemos a un jovencísimo Bruce “Ash” Campbell, el icónico actor protagonista de la saga “Evil Dead”, protagonizando una parodia del personaje de Indiana Jones. Sumémosle a un no menos desconocido por aquel entonces Sam Raimi, director de dicha trilogía cómico-terrorífica y convertido ahora en estrella gracias a su saga de “Spider-Man”, metido en la piel del villano nazi de la función. Y, completando el Trío Calavera, Cheryl Cuttridge, cuyo único papel “destacado” hasta la fecha ha sido una pequeña intervención en “Posesión infernal”, como la comparsa romántica del héroe.

El cortometraje en cuestión se titula “Cleveland Smith: Bounty Hunter” y, por si fuera poco, lo dirigió Josh Becker, realizador de la televisiva “Hércules y el Laberinto del Minotauro” y de algunos episodios de “Xena, la princesa guerrera”, la serie producida por Raimi. Pero no se vayan a creer que la cosa se acaba aquí. Y es que, además, en funciones de coguionista y productor figura el nombre de Scott Spiegel, principalmente conocido por ser el responsable de “Abierto hasta al amanecer 2″, así como uno de los autores del libreto para “El principiante” de Clint Eastwood. ¿Dije “friki”, no?

Rodado en blanco y negro, con una de esas facturas que podríamos calificar como de supervivencia y haciendo gala de unos efectos especiales más caseros que las comidas del Bar Tío Pepe, el resultado de esta broma privada entre amigos hace suya aquella máxima de “Todos tenemos un pasado oculto, pero el tuyo debería ser más pasado y más oculto que ninguno”.

Ver “Cleveland Smith: Bounty Hunter”

El director, guionista y diseñador artístico Jiří Trnka, fallecido en Praga en 1969, ha pasado a la Historia del Cine por ser uno de los más prestigiosos animadores de la eminente Escuela Checa. Y ello a pesar de tener uno de esos nombres tan impronunciables que dificultan el recuerdo e, incluso, inspiran chascarrillos de corte chusco-tabernario (No les voy a dar ideas, pero tengo un par de bochornosamente fáciles en mente). Aunque también se dedicó a la ilustración infantil y llegó a trabajar dentro del cartoon tradicional, o sea, los dibujos animados de toda la vida, Trnka fue, sobre todo, un maestro virtuoso de la animación con marionetas, terreno en el que cosechó todo tipo de reconocimientos internacionales y con el que sentó tradición en su país. Proclamado por muchos como el Walt Disney del Este, conviene aclarar que esta etiqueta se refiere más a su relevancia como creador y referente que a su personal estilo. Precisamente, si algo tenía la obra de Trnka era que escapaba de los cánones reinantes en la animación estadounidense y que, a diferencia de ésta, estaba dirigida principalmente al público más adulto debido al compromiso de su discurso, algo muy típico, por otro lado, en esas latitudes y más todavía en aquella época. Traducido: Nada de cosas dulzonas, facilonas, simplistas y frívolas. Pese a contar con una larga trayectoria desde que se inició detrás de las cámaras a mediados de los 40, resulta bastante paradójico que uno de sus títulos más populares y difundidos haya sido la última película que rodó, “Ruka” (”La mano”), dirigida en 1965 y considerada una obra maestra en su campo, supongo que a causa de la fuerte carga de crítica socio-política que escondía.

Algo menos conocido, y no por falta de méritos, es el cortometraje que os traigo hoy, una pequeña joya la mar de curiosa e intrigante que lleva por título “Kybernetická babicka” (”La abuela cibernética”) y que Jiří Trnka realizó en 1962. ¿Por qué resulta tan llamativa? Pues, para empezar, porque se trata de un relato de ciencia-ficción tecno-futurista que, lejos de lo que se pudiera presuponer, tiene como protagonistas a una entrañable abuelita, tipo Doña Rogelia, y a su pequeño y cándido nieto. Pero es que, además, el exuberante imaginario que despliega para ilustrar todo ese sofisticado mundo ultra-tecnificado, fuertemente influenciado por el diseño de los 60, es realmente sorprendente y detallista. Eso sin mencionar la perfección de la técnica o la hipnótica, y en ocasiones perturbadora, atmósfera que logra crear, si bien tampoco faltan ciertas pinceladas de humor en determinados momentos.

La historia, a modo de resumen, comienza cuando la mencionada anciana y el niño, dando un paseo por el campo, aparecen así como de sopetón en una especie de modernísimo aeropuerto en plan lanzadera espacial. Una vez allí, se despiden y el crío sube a una nave individual con forma de huevo transparente. El pintoresco artefacto lo conduce entonces hacia un misterioso lugar donde lo espera una inquietante silla electrónica con unas alas hechas de tapete… Tras este a menudo alucinógeno argumento se pone de manifiesto, en definitiva, una fábula de carácter humanista que apuesta por las relaciones personales y por la Naturaleza frente a la mecánica frialdad, el vacío emocional y, en resumidas cuentas, toda la deshumanización que imponen las tecnologías, y todas esas cosas tan potitas.

Aviso que, aunque esté en versión original, el cortometraje se sigue sin problemas debido a la práctica ausencia de diálogos, que se concentran en su mayoría hacia el final del metraje. Y cuando éstos hacen aparición, quedan perfectamente suplidos por la expresividad de las imágenes. Disfrútenlo.

Ver “Kybernetická babicka” (”La abuela cibernética”) de Jiří Trnkade

Ahora que Tito Marty se ha vuelto a convertir en uno de los hombres del momento debido a los Oscars compensatorios que recibió por “Infiltrados” (a buenas horas, mangas verdes), aprovecho para recuperar uno de los anuncios que protagonizó para promocionar la tarjeta American Express, entonces patrocinadora del Festival de Cine de Tribeca. En este divertido spot, que tiene como escenario una tienda de revelado de fotos en una hora, Scorsese no sólo saca a relucir su vena más perfeccionista como director ante la atónita mirada del empleado, sino también una nada desdeñable vis cómica como actor. Recordemos que no es ésta ni la primera ni la segunda vez que esta compañía echa mano de algún director famoso para sus campañas.

Ver anuncio de Martin Scorsese para American Express

No fuimos pocos los que nos alegramos de que el responsable de obras maestras como “Taxi driver”, “Malas calles”, “Toro salvaje” o “Uno de los nuestros” viera finalmente reconocida su carrera por parte de la Academia de Hollywood, aunque esta especie de acto de justicia llegara a deshora y no precisamente por una de sus mejores películas. Sin embargo, estoy segura de que nadie lo habrá celebrado tanto como el vocalista y líder del grupo King Missile, quien hace un tiempo le dedicaba esta canción-homenaje en la que le da las gracias por su cine con, por decirlo amablemente, tal exceso de entusiasmo que haría suya aquella máxima de “Con fans como éstos, ¿quién necesita enemigos?”. Hay que ver qué alelao.

William Shatner cantándole “My way” a George Lucas

Este momentaso pertenece a la gala-tributo que el American Film Institute le dedicó a George “Papada Virulenta” Lucas en el 2005. No se pierdan a William Shatner, el capitán Kirk de “Star Trek”, cantándole su particular versión del “My way” al creador de “Star Wars” entre los gruñidos de Chewbacca, las risas del público y la compañía de un cuerpo de baile formado por soldados del Imperio. Si no llegan al friki-orgasmo con esto es porque no corre sangre por su venas, y mucho menos por sus partes innobles. [ Vía LaVIDEOtk ]

Propina: Ya que estamos musicales y frikis a rabiar, aquí les dejo a un señor de Chile, de nombre Antonio Rioseco, interpretando los temas de la banda sonora de “La Guerra de las Galaxias” con una guitarra clásica.

Tema central | Marcha imperial | Duel of the fates

Ya verán. Mañana mismo se los saco yo con percusión, concretamente con una botella de anís rascada con el tenedor, que a fecha de hoy es el único instrumento no humano que sé tocar.

Los que afirman tan alegremente que las empanadas mentales de David Lynch se deben al mero capricho y a la improvisación, andan muy equivocados. Si algo tiene su surrealista y angustioso universo es que es fruto de un largo y costoso proceso de maceración consigo mismo. Con esto quiero decir que ya de joven se metía todo lo que tenía a su alcance, hábito caro y difícil de abandonar donde los haya. Lo que quizás no sepa tanta gente es que durante su época de estudiante, el director de la recién estrenada y controvertida “Inland Empire” comenzó experimentando en el campo de la animación, y no precisamente bajo la influencia de la Disney, sino de otro tipo de sustancias, como demuestran estos dos cortos iniciáticos: “Six figures getting sick”, que vendría a significar “Me pongo enfermo viendo esto”, rodado en 1966, y “The alphabet”, de 1968. De hecho, el primer contacto de Lynch con la acción real fue en “The grandmother”, de 1970, donde mezclaba ambas técnicas. Algunos aseguran que estos tres trabajos tienen línea argumental y todo, y hasta se atreven a ofrecer varias versiones alternativas de la historia como si esto fuera “Carretera perdida” o “Mulholland Drive”, no miento, porque ya se sabe que nadie es digno de ser considerado un autor con un estimulante imaginario si no cuenta algo y algo que no se entienda a la primera salvo por unos cuantos elegidos. Yo me limitaré a dejárselos para que juzguen ustedes mismos.

Ver “The alphabet” en Video Google

Ver “Six figures getting sick” en DailyMotion

Ver “The grandmother” en DailyMotion

Unos años después, Lynch debutaría en el largometraje con “Cabeza borradora (Eraserhead)”, que al lado de lo anterior era gloria bendita, oiga. Aunque supongo que a sus fans más incondicionales no les gustaría esta concesión a la comercialidad, porque se entendía demasiado y nadie se las podía dar de listo. El rodaje de esta película se paralizó durante varios años por falta de medios, y ahora ya no me refiero a las drogas. Durante ese largo paréntesis, Lynch rodaría otro cortometraje, “The amputee”, esta vez con actores de carne y hueso en su integridad. Historia, lo que se dice historia, tampoco es que tenga, y pasar no pasa mucho, pero a mí no me echen la culpa si son incapaces de entrar en trance con su genio.

Ver “The amputee” en Video Google

Anterior artículo relacionado: David Lynch: Todos sus anuncios y carteles

¿Has ido alguna vez al cine? ¿Te ha ocurrido alguna anécdota curiosa o divertida que quieras compartir? ¿Te gustaría ganar un dvd a tu entera elección?

Si la respuesta a todas estas preguntas es sí (¿podría ser “no”?), todavía estás a tiempo de participar en el Tercer Concurso Literotronero: envía tu historia o chascarrillo por mail antes de que sea demasiado tarde, tontuelo. ¡Esta vez tus batallitas pueden tener premio!

Y por si os sirve de inspiración, os dejo la mítica escena en la cola del cine de “Annie Hall”, de Woody Allen: “Amigos míos, si la vida fuese así…”.

Como ya sabéis, hoy por fin se estrena en la cartelera española “Bosque de sombras” (”The backwoods”), el potente debut en el largometraje de Koldo Serra, cuya web oficial, diario de rodaje, teaser tráiler y tráiler definitivo podéis ver pinchando en los enlaces. Es una película de la que ya os había hablado con expectativas muy favorables en más de una ocasión por la confianza que me merecía, pero que ahora ya puedo recomendaros con completo conocimiento de causa. No hay mucha más información que añadir a lo ya dicho, pero, tal y como os había anunciado en el último post que le dediqué, sí quedaba una pequeña sorpresa más al respecto. Además de agradecerle a Koldo (Dr. Phibes) la atención que tuvo al responder a la ingente cantidad de comentarios que dejasteis en los anteriores posts sobre su película, así como su invitación al preestreno, al que por cuestiones geográficas no pude ir, también debo darle las gracias por dedicarle su tiempo (¿y su paciencia?) a la entrevista que le realicé para La Butaca con motivo de la presentación comercial de “Bosque de sombras”.

Aclaro que la entrevista no viene firmada exactamente por mí-Marnie-personaje, sino por mi alter ego, persona real que mueve mis hilos y que me quita y me devuelve la botella a su antojo, y que está hecha hace varias semanas, por lo tanto antes de haber visto la película. En ella, el Sr. Serra habla sobre diferentes aspectos de “Bosque de sombras” (no hay spoilers, tranquilos) y sobre otras cuestiones relacionadas con su persona. Además, Koldo también tuvo el detalle de cedernos los storyboards, las fotografías del rodaje y los bocetos de carteles que acompañan sus respuestas, todos obra suya, y que apenas se han difundido por otros medios. Podéis leerla / verlos en el siguiente enlace:

Entrevista a Koldo Serra en La Butaca

Aprovecho para desearle a Koldo toda la suerte del mundo con el estreno, porque se la merece de verdad. Y para animaros a que descubráis de qué es capaz este buen hombre, os dejo estas…

12 razones por las que ver “Bosque de sombras” en el cine:

1. Para asistir a la puesta de largo de un director con un talento que no es que prometa, no, es que ya es una realidad indiscutible. Y para colmo no es un repelente niño Vicente ni un chulopiscinas.
2. Porque es un thriller rural con tintes de western que bebe declaradamente de clásicos como “Perros de paja” y “Defensa (Deliverance)”, que pone en contacto diferentes géneros, que traslada los códigos del cine yanqui setentero a un contexto autóctono, pero que, aun así, no suena a pretencioso pastiche remendón. Al contrario, la mezcla resulta fresca, atractiva, personal y, sobre todo, muy disfrutable.
3. Porque pocas películas del género prestan tanta atención a la historia y al desarrollo de los personajes, sin descuidar por ello su vocación de entretenimiento.
4. Porque resulta difícil encontrar una película tan bien contada, con tanto pulso y templanza, con una potencia visual tan arrebatadora y con una factura tan impecable. No parece una ópera prima. Modélica. [ continuar leyendo… ]