Al final no lo mencioné ayer, porque esto de enterrar, informativamente hablando, a dos personas seguidas hace que me empiece a entrar complejo de sepulturero. Pero poco después de enterarme del fallecimiento de la actriz Yvonne De Carlo, se daba a conocer la pérdida del productor Carlo Ponti, una de las figuras más relevantes del cine italiano de las últimas seis décadas y, por extensión, del cine internacional, al que dio grandes títulos. Su importancia sería equiparable a la de su compatriota Dino De Laurentiis, con quien, por cierto, estuvo asociado durante un tiempo.

Sería agotador mencionar los más de 150 títulos en los que participó, pero a él le debemos películas tan ampliamente reconocidas como “La strada” de Federico Fellini, “Doctor Zhivago” de David Lean, “Guerra y paz” de King Vidor, “Matrimonio a la italiana” de Vittorio De Sica o “Blow up” de Michelangelo Antonioni, entre muchísimas otras joyas.

Ponti era conocido también por ser el esposo de la actriz Sofia Loren, a cuyo éxito internacional contribuyó en gran medida, conduciéndola al Oscar en 1961 por su interpretación en “Dos mujeres”.

Este lunes fallecía a los 84 años por causas naturales la actriz de origen canadiense Yvonne De Carlo, un auténtico bellezón que, paradójicamente, se hizo popular por encarnar a la vampírica Lily Monster, la entrañable esposa del frankenstein Herman, en la mítica serie de televisión de los años 60 “La familia Monster”. Curiosamente, aquel personaje se convertiría en un icono seminal del rollito gótico, tan imitado hasta la extenuación hasta nuestros días. Dentro del cine, De Carlo será recordada principalmente por haber interpretado a otra esposa, la de Moisés (Charlton Heston), en el mastodóntico drama bíblico de Cecil B. de Mille “Los diez mandamientos”.

Yvonne De Carlo había debutado en la gran pantalla a principios de la década de los 40, pero sus primeras apariciones en más de una veintena de títulos fueron, en su mayoría, en pequeños papeles no acreditados, hasta que finalmente le llegó la fama en 1945 al protagonizar el western “Salomé, la embrujadora” (¡Titulador Tóxico al ataque!). Aunque participó en más de 120 títulos dentro del cine y de la pequeña pantalla, a menudo lo hizo en producciones modestas e, incluso, cabe decir que algunas bastante poco gloriosas, dejándose ver sobre todo en westerns y películas de aventuras orientales donde la exótica presencia de Yvonne De Carlo resaltada por el febril Technicolor, cuando no ejercía como protagonista, servía de comparsa romántica o, si no, siempre quedaba bien para acabar de completar el decorado. Llámala directamente florero. Desde luego, más allá de sus arrebatadores encantos físicos y de su resultón carisma, una gran intérprete no era, y si lo era, tampoco se le debió de presentar la oportunidad para demostrarlo (”¿En ninguno de los 120 títulos?”, diréis. Pues igual no, oye, tampoco hay que ponerse a cuestionarlo todo). Así que pasado su mayor momento de gloria durante los 50, que es como decir cuando sus encantos comenzaron a marchitarse, acabó refugiándose en el terror de Serie B y en las ondas catódicas, donde, la verdad, no le fue nada mal. Una de sus últimas intervenciones más destacadas fue junto a Sylvester Stallone en “Oscar, quita las manos” (¿dije “destacadas”?), la comedia de John Landis de 1991.

- Rumba atrevida!: Yvonne De Carlo pegándose un animado bailoteo junto a un por entonces desconocido Tony Curtis bajo la atenta mirada de Burt Lancaster en el film noir de Robert Siodmak “El abrazo de la muerte”.
- Títulos de crédito de “The Munsters”: en los que aparece todo el reparto de la serie, incluida Yvonne De Carlo.
- Tráiler de la película “La herencia de los Munster” de 1966: ya en color y con el rostro tono verde-resaca.

Su presencia física en el cine fue, como se suele decir en estos casos, corta pero intensa. Tampoco esperábamos menos de alguien que habrá pasado a la Historia por ser uno de los grandes, incluso en el sentido más literal y, sobre todo, excesivo de la expresión. Sin embargo, su voz y su música han formado parte de la banda sonora de decenas de películas hasta el momento. Y las que están por llegar. Padrino del soul, rey del cardado capilar, dueño de las glándulas sudoríparas más generosas encima del escenario, amo y señor de la pista, James Brown decidía abandonar este mundo a los 73 años el día de Navidad. Una casualidad que quizás sólo haya servido para confirmarnos aquello que muchos sospechábamos desde hacía tiempo: que se trataba del mismísimo Diablo. No descanses en paz, James, que tampoco sabrías cómo hacerlo.

Una de sus míticas apariciones junto a los Blues Brothers como el reverendo evangelista Cleophus James en “Granujas a todo ritmo”

Videoclip del tema “I feel good” para la película “Good morning, Vietnam”

Cuando parecía que la sección de necrológicas iba a poder tomarse un pequeño respiro, hoy nos toca despedir la semana con otra triste noticia que tiene como protagonista al actor francés Philippe Noiret, quien fallecía ayer mismo en París a los 76 años tras una larga enfermedad. Seguramente la mayoría le recordaréis, sobre todo, por su entrañable proyeccionista Alfredo en ese canto de amor por el cine y por la vida que es “Cinema Paradiso”, un papel que le valdría numerosos reconocimientos, así como por encarnar al prestigioso poeta en la aún más reciente “El cartero (y Pablo Neruda)”.

Si bien esos dos fueron los trabajos que le reportaron mayor fama internacional, dicho sea de paso, de forma tardía, este veterano actor de procedencia teatral ya tenía a sus espaldas un buen puñado de interpretaciones memorables en títulos tan importantes como “La noche de los generales”, “La guerra de Murphy” —en las dos haciendo compañía a Peter O’Toole—, “Topaz” —su breve pero significativa colaboración con Alfred Hitchcock—, la controvertida “La gran comilona”, “El relojero de Saint Paul”, “El juez y el asesino” —ambas a las órdenes de Bertrand Tavernier—, “El desierto de los tártaros” o “Habitación para cuatro”, entre muchos otros [ continuar leyendo… ]

Todavía recuerdo aquel momento, durante la ceremonia de los Oscars del 2002, en el que el merluzo de Ron Howard se llevó el Oscar al Mejor Director por “Una mente maravillosa”. Fue entonces cuando David Lynch se levantó de su butaca y se acercó al encuentro del más veterano Robert Altman, ambos nominados en aquella misma categoría, en uno de esos gestos detrás de los cuales una intuye que hay más de señal de profundo respeto que de simple gesto de consolación entre colegas injustamente vencidos por un adversario ridículo. Creo que siempre adoraré a Lynch por aquella muestra de apoyo, mucho más que por todas sus películas juntas. Lynch, como muchos otros, sabía que, con aquélla, Altman se había quedado cinco veces a las puertas de ganar una estatuilla, pero que aquélla en concreto era, con toda probabilidad, su última oportunidad de conseguirlo en activo por una película. [ continuar leyendo… ]

Pocas veces un villano habrá sido tan temido en vida y tan llorado a su muerte. Creo que ésta es la mejor contradicción que define a un hombre envuelto en constantes paradojas: actor secundario de primerísima fila, tipo duro conocido por su humildad y su sentido del humor, había logrado ganarse el respeto y la simpatía de los espectadores haciendo de malo, se forjó su propio mito mientras aún estaba vivo, y cuando por fin consiguió llevarse un Oscar a casa, lo hizo por un papel en el que se autoparodiaba. Propietario de uno de los rostros más singulares del celuloide, respondía al no menos contundente nombre de Jack Palance, y este pasado viernes fallecía a los 87 años por causas naturales. El mundo del cine no sólo pierde a su malo oficial, sino que también se va una de las últimas leyendas vivas del Hollywood Dorado. Qué duda cabe de que todos tenemos grandes momentos que agradecerle, pero ninguno tanto como Marisa Tomei. [ continuar leyendo… ]

O cómo matar cuatro pájaros de un tiro:

— En primer lugar, tenemos que referirnos al reciente fallecimiento de Gillo Pontecorvo, director y guionista italiano —con ese nombre, ¿de dónde si no?— que se había caracterizado por un cine de fuerte compromiso político, en el que predominaba, de manera muy especial, una crítica nada velada contra el colonialismo —ironías de la vida, el pobre hombre fue a morirse nada menos que el 12 de Octubre—, aunque sin renunciar por ello a una vocación comercial. Pontecorvo se dio a conocer a nivel internacional en 1966 con “La batalla de Argel”, una obra maestra imprescindible y revolucionaria dentro de su género, que fue censurada en Francia y en España, y que, curiosamente, recibió tres nominaciones al Oscar en años distintos (mientras que en 1967 sería candidata a Mejor Película Extranjera, en 1969 optó a la estatuilla por su guión y dirección), además de ganar el León de Oro en Venecia. [ continuar leyendo… ]

Si os digo que se ha muerto el veterano actor Jack Warden, es probable que su nombre por sí solo no os ofrezca demasiada información. Pero si os digo que se trataba del propietario de este inconfundible rostro, su presencia delante de las cámaras os resultará, más que familiar, imprescindible.

En efecto, el miércoles pasado fallecía a los 85 años este solicitado actor que durante cinco décadas se había encargado de poner el broche de oro como secundario de lujo en largometrajes tan célebres como “De aquí a la eternidad”, “Doce hombres sin piedad”, “Todos los hombres del presidente”, “Muerte en el Nilo”, “Bienvenido Mr. Chance”, “Veredicto final” o “La noche y la ciudad”. Pese a haber trabajado con los directores e intérpretes más importantes del momento, curiosamente fueron dos de sus colaboraciones junto a Warren Beatty, en “Shampoo” (1975) y “El Cielo puede esperar” (1978), las que lo llevaron a recibir sendas nominaciones al Oscar. Warden también disfrutó de una destacada carrera en la pequeña pantalla, [ continuar leyendo… ]

“Tengo los dientes grandes. Ceceo. Mis ojos desaparecen cuando sonrío. Mi voz es graciosa. No canto como Judy Garland. No bailo como Cyd Charisse. Pero las mujeres se identifican conmigo. Y mientras los hombres desean a Cyd Charisse, me llevan a casa a conocer a mamá.”

Esto es lo que respondía en 1986 la actriz June Allyson cuando le preguntaron por el secreto de su inesperado éxito. El pasado lunes 10 de julio moría a los 88 años la que había sido considerada durante años la “esposa perfecta” del cine del Hollywood Dorado. Imaginaos cómo habría sido la imperfecta.

Lo cierto es que sin ser un bellezón, ni habiendo cosechado tampoco grandes premios, June Allyson supo ganarse a los espectadores de la época con su menuda figura y una imagen bondadosa, dulce (o sea, ñoña) y simpática, de abnegada esposa, que contrastaba con la de las sex symbols del momento. Dicho en otras palabras, a las segundas preferían llevárselas a la cama, pero a la primera tenerla en la cocina. Eso es un halago y lo demás son tonterías… [ continuar leyendo… ]

Tan sólo una semana después de recibir la triste noticia sobre el temprano fallecimiento de Fabián Bielinsky, nos llega ahora esta otra, más inesperada y trágica, si cabe, todavía, informándonos acerca del suicidio del cineasta uruguayo Juan Pablo Rebella a sus 32 años.

Pero, a ver… ¿qué nos está pasando?

Rebella había formado pareja artística junto a su compatriota Pablo Stoll desde su debut en 2001 con la celebrada “25 watts”. Esa misma unión había dado como fruto una segunda película, “Whisky”, premiada internacionalmente y cuya singular personalidad los había confirmado como dos nuevos nombres a seguir. En la actualidad, Rebella y Stoll se encontraban trabajando en un nuevo proyecto.

Lo dicho hace apenas unos días sirve también para esta ocasión. Otra prometedora carrera truncada, y otro gran golpe para el cine latinoamericano e hispano en general.

Todas las muertes te cogen por sorpresa, pero es inevitable que algunas lo hagan más que otras. Desde luego, la del director y guionista argentino Fabián Bielinsky no sólo ha sido totalmente inesperada, sino que se ha hecho sentir de manera muy especial.

Bielinsky nos deja una corta, casi se diría que incipiente, pero selecta filmografía, con dos únicas películas que serían la envidia de muchos otros cineastas y que lo convirtieron de forma automática en una nueva referencia a seguir: “Nueve reinas” y “El aura”. Muy distintas entre sí, ambas hablan del talento y la versatilidad de un autor lleno de posibilidades.

Qué duda cabe de que se va una de las voces más prometedoras e interesantes del nuevo panorama hispano. Y también, por qué no decirlo [ continuar leyendo… ]

Antes de ayer me enteraba de la muerte del director, guionista y eventual actor catalán Joaquim Jordà, quien nos dejaba a los 70 años después de haberse pasado el último luchando contra un cáncer. Es muy probable que su nombre le diga más bien poco, o directamente nada, a la mayoría. Ya se sabe que mientras que unos cardan la lana, otros se llevan la fama, y Jordà pertenecía al primer grupo, al de los que están demasiado ocupados tratando de construir y renovar el cine en nuestras fronteras como para que, además, se tengan que preocupar por perseguir las medallas dentro y fuera de ellas. Como dudo mucho que en Salsa Rosa le dediquen siquiera unos minutos, más que nada porque el testamento de la Jurado agota todos sus esfuerzos informativos, que si no, seguro que lo harían gustosos para aumentar su audiencia, se los dedicaré yo para acabar de hundir la mía, aun a riesgo de que me acusen de intrusismo profesional. [ continuar leyendo… ]

Cuando uno ve una película como “La balada de Narayama” no se olvida nunca más de ella. Durísima y magistralmente realizada, es una de esas historias que te hacen congraciarte con el reino vegetal. Algo parecido se puede decir de la también impactante “Lluvia negra”, sobre las consecuencias de la bomba atómica en Hiroshima, o de la realmente singular “La anguila”. Las tres tienen en común a su director y guionista, el veterano cineasta japonés Shohei Imamura, y no sería necesario haber visto más muestras de su brillante filmografía, apenas una de ellas bastaría, para comprender por qué este autor, dos veces ganador de la Palma de Oro en el Festival de Cannes y de innumerables reconocimientos internacionales, es considerado uno de los grandes maestros del cine nipón junto a nombres como el de Kurosawa o Ozu, con el que, precisamente, se introdujo en este mundo como ayudante.

Hace un par de días que Imamura moría [ continuar leyendo… ]

Pues parece que vamos a tener un fin de semana de lo más luctuoso, porque después de despedirnos, ayer mismo, del gran Val Guest, hoy le toca el turno a otra figura emblemática, mucho menos relevante por su aportación al cine, pero también ligada al terror y la ciencia-ficción de Serie B (más bien Z en este caso), y, en especial, a uno de sus más denostados a la par que celebrados representantes. Se trata del actor Paul Marco, quien fallecía el pasado 14 de mayo a los 80 años.

No es que Marco tuviera una carrera sobresaliente delante de las cámaras; trabajó en apenas una decena de títulos, reiterándose a menudo en un mismo papel y, cuando no, sin acreditar, lo cual ya es el colmo. Quizás ni siquiera se le pudiera considerar un actor en el sentido estrictamente profesional del término. Sin embargo, su legendario personaje del Policía / Patrullero Kelton, que interpretó en tres de las cintas de culto [ continuar leyendo… ]

Ayer me enteraba a través de Bango y Spaulding (los medios oficiales, bien, gracias; ellos a lo suyo) de la triste noticia del fallecimiento de Val Guest, toda una leyenda viva (bueno, eso último ahora ya no) del cine fantástico, que nos dejaba la semana pasada a los 95 años con un legado de decenas de títulos a sus espaldas.

Aunque trabajó como actor, director, guionista, compositor y productor en cintas de todos los géneros y calibres, el británico Valmond Guest es principalmente conocido por haber sido el realizador que impulsó a la Hammer gracias a sus películas dentro de la ciencia-ficción y el terror.

A él le debemos, por ejemplo, joyitas [ continuar leyendo… ]